Antes de discutir lo que se debe lograr, veamos qué se puede lograr primero.
Estructuralmente, no puedes lograr nada en una escena de apertura.
En el nivel del guión, la escena en sí ya es la entidad narrativa más pequeña de una estructura de construcción de película (en el nivel de producción es la toma, pero ese no es nuestro tema aquí). Se define por la unidad de tiempo y lugar y, por lo tanto, refleja un segmento de la acción en tiempo real. La estructura cobra vida por la disposición de las escenas: es un resultado, no una herramienta.
Por lo tanto, obviamente también es imposible establecer componentes estructurales de una narrativa como una trama o una forma en una escena de apertura; se vuelven visibles solo durante el curso de la narración.
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Lo mismo es más o menos cierto para el género y el estilo.
(Observación: edité este párrafo de la respuesta después de que un comentario de Pete Griffiths señalara claramente que el establecimiento del género de una película puede y debe hacerse en la escena de apertura)
El género depende de los patrones convencionales esperados familiares para la audiencia que tienen que acumularse con el tiempo (es lo más complicado en la narración para identificar la naturaleza del género; puede encontrar una entrada prudente sobre este tema aquí: ¿Es el género de la película de superhéroes un largo moda duradera […]?)
(Sin embargo, como lo muestra Pete Griffiths con los ejemplos en su respuesta, es absolutamente posible y también necesario que esto suceda lo más rápido posible. Sin embargo, me gustaría argumentar que, si bien puede ser esencial y factible para los géneros de suspenso y horror , puede ser mucho más difícil para los géneros de romance o drama ).
El estilo de la película no es algo en lo que tenga un impacto directo. Si bien puede dar pistas a través de su escritura sobre si le gustaría ver una pieza realista o, por ejemplo, más bien expresionista o incluso surrealista hecha de su guión (“Él es alcanzado por una bala” vs. “Su cerebro se extiende por el techo “vs.” Su cuerpo se disuelve en una fuente de sangre y órganos “), finalmente estará en manos del equipo de producción para definir el estilo del trabajo de pantalla.
Esa fue la parte de “estructura” de su pregunta. Ahora la parte “narrativa”:
Atrápame si puedes!
El propósito de cualquier escena en una narración es proporcionar al público al menos una “pregunta activa” y, a menos que sea la primera escena, eventualmente responder a una o más de las que se han mencionado anteriormente. Eso es lo que mantiene a la audiencia comprometida.
Si fuera por Aristoteles, al final de su narración su audiencia está “debidamente satisfecha”: se estimuló
- intelectualmente
- emocionalmente
- moralmente
Y, si el griego antiguo hubiera conocido el medio y las técnicas del cine, probablemente habría exigido un
- estético
estimulación también, pero claramente la estética no la decide el guionista, sino el director y todos los involucrados creativamente en el proceso de producción (como DoP, editor, diseñador de producción, etc.).
Entonces, ¿qué podría lograr la escena de apertura?
- Una estimulación intelectual al comienzo de una narración es casi imposible; Necesitamos un mínimo de información primero para hacer girar nuestra materia gris. Sin embargo, si la primera toma de su película muestra una quilla sobre un yate de vela en medio de Monument Valley, las células cerebrales de su audiencia tienen algo para masticar de inmediato.
- Un estímulo moral podría funcionar bastante bien. Supongamos que el miembro de una minoría considerada es torturado o una pandilla quema el rancho y la granja frente a los ojos de su viejo e indefenso propietario.
- Una estimulación emocional funciona mejor, porque aparte de las dos primeras ocurre en el nivel subconsciente, donde las hormonas están al mando. Una foto de un niño llorando, una pareja de novios saliendo de la iglesia, un planeta en explosión, un anciano solitario observando un funeral desde la distancia, una docena de ratas animadas huyendo de la cocina de un restaurante haciendo malabarismos con comida.
En cuanto a la parte narrativa , mi primer impulso fue (y sigue siendo) aplaudir lo que Pete Griffiths ha dicho sobre el tono crítico. ¡Es! Porque solo se necesitan un par de líneas para establecerlo.
1. Tono
Imagine que su película se abre en una resolución de medios con una persona enmascarada cazando y asesinando a un par de adolescentes en una playa por la noche a la pálida luz de la luna. Se invocan tres preguntas activas dentro de la audiencia:
- ¿Que esta pasando?
- ¿Por qué está sucediendo o cómo se llegó a esto?
- ¿Quienes son esas personas?
Ahora imagine la música de fondo:
- ninguno en absoluto, solo ambientes
- “Lago de los cisnes” de Tchaikovsky
- “Surfin USA” de los Beach Boys
Aunque normalmente no prescribirías el uso de ciertas canciones en un guión, solo imagina el efecto en la película terminada. Las mismas imágenes en el mismo orden y ritmo, pero tres veces un resultado totalmente diferente. En este caso, el tono está determinado por una elección de música. En cuestión de segundos, su audiencia tiene una idea de lo que se va a servir: una película de terror contundente, un thriller más o menos sofisticado o una comedia ultra negra.
El tono generalmente se crea mediante su selección inicial de contrastes; aquí es donde puedes establecer la dirección de una vez, es el primer contacto de tu película con el público (o en realidad no lo es, pero lo veremos más adelante). Con el tono, está haciendo la primera promesa, y de aquí en adelante es su deber cumplirla.
Sin embargo, tenga en cuenta que será el trabajo del director transferir ese tono a la pantalla: ritmo, iluminación, trabajo de cámara, sonido, música; nada de eso es parte de las tareas de su guionista, por lo que todo lo que puede hacer es implicarlos. cosas subliminalmente por lo que escribes como una apertura.
2. Configuración
Esto es obvio: establecer el “dónde y cuándo”. Pero al igual que el tono, el escenario puede tener fuertes implicaciones en el género de su película.
Imagine la escena descrita antes que no tiene lugar en una playa, sino en el remoto albergue en un lago. Ese escenario sería una convención de género típica bien conocida que apunta a una película de terror clásica, y las expectativas de la audiencia educada se desplazarían en esta dirección en consecuencia. El público cree comprender de inmediato lo que está viendo.
¿Pero qué hay de configurarlo en Times Square?
¿O una ciudad occidental?
¿A bordo de una nave espacial?
¿O en la antigua Roma?
¿O dejarlo en la playa, pero cambiarlo al mediodía con la playa completamente llena?
Esas cinco alternativas crearían una tensión masiva dentro de su audiencia porque no se ajustan a primera vista a lo que sucede. Aparte de la cabaña en el lago, estos entornos no son familiares para el tipo de acción que se lleva a cabo, y el número de preguntas activas se plantea en al menos uno:
- wtf?
3. Tema e historia
El tema es mucho más complejo de tratar que el tono o la configuración, porque para identificar un tema se necesita una unidad de acción dramática cerrada (que sería una secuencia en lugar de una escena ).
Un ejemplo famoso para establecer el tono y el escenario es la secuencia del título principal del Angel Heart de Alan Parker (1986):
un perro persigue a un gato a través del callejón nocturno e invernal de una ciudad, acompañado por una misteriosa melodía de saxofón. Mientras pasan los dos animales, descubrimos un cadáver tirado en el callejón, sacrificado y empapado en sangre.
Pero esta secuencia hace mucho más que solo establecer el tono y la configuración. Si bien los eventos y el cadáver no tienen relación alguna con la historia principal, presagian perfectamente la historia de la película: “el cazador y la caza” y el tema “el miedo a lo desconocido”. Por supuesto, el público aún no puede saber eso … pero pueden sentir que el horizonte se oscurece.
(Rem .: No pude encontrar la apertura en YouTube para insertarlo aquí, solo en DailyMotion):
4. El protagonista
Otra secuencia de apertura clásica que establece el tono, el escenario, el tema más el personaje principal (¡aunque también no está relacionado con la historia principal!) Es Raiders of the Lost Ark . Nos presenta al mundo y la personalidad de Indiana Jones mostrándole “robando” un bien sagrado.
Si bien se considera una “mejor práctica” establecer al protagonista en la escena inicial también, en realidad sucede muy raramente. En Star Wars, primero nos presentan el conflicto. Los primeros personajes que encontramos son los droides, mientras que el héroe no aparece antes del minuto diecisiete de la película.
Entonces, realmente depende de qué se trata tu historia. En general, es mucho más fácil para la audiencia entender primero un conflicto circundante y presentarse a la persona para resolverlo en segundo lugar. Primero el mundo, luego sus habitantes. Primero qué, dónde, cuándo, luego quién.
–
Pero hay otras dos cosas que vale la pena tener en cuenta, y ambas están relacionadas con lo que crees que es tu audiencia. Y no, no es la persona que va al cine.
El propósito de un guión
Hay dos perspectivas a tener en cuenta: la perspectiva de la audiencia (destinatarios) y la perspectiva del fabricante (creadores). Como guionista, prepárese para la verdad de que el público nunca entrará en contacto con su trabajo directamente, solo por su interpretación de los demás. Por extraño que parezca, el único elemento reconocible del guión con la mayor probabilidad de llegar a la noción de la audiencia es el diálogo.
Con cierta dependencia del país y el segmento de la industria con el que está tratando, el propósito inmediato (!) De un guión no es hacer una película de él, su propósito inmediato es ser “comprado” de alguna manera. Comprado por un productor, un estudio, un director, un agente, uno o más actores financiables, etc. Antes de que un equipo creativo de personas pueda ayudar a hacer un bien cultural, es un bien económico y no importa si el autor lo escribió en las especificaciones o en la asignación.
Sin embargo, si se está redactando en la asignación, es posible que ya se hayan establecido algunos intereses: el mercado objetivo (cine, dirct-to-DVD, TV), el tamaño del proyecto (bajo presupuesto independiente, drama en serie, éxito de taquilla de verano), etc.
Como escritor, no solo tiene que hacerlo atractivo para el público, sino también para aquellos que pueden convertir su visión en visual; sin duda: lo ideal es lograr ambas cosas a la vez, porque la regla general “atraparme de inmediato o no me vas a atrapar en absoluto” es cierta tanto para el público como para las personas que necesitas para hacerlo realidad.
Mientras que un productor puede leer intuitivamente “gastos necesarios” con todas y cada una de las líneas suyas, el director puede buscar un tema que le interese, mientras que el actor de sus sueños puede ser molestado cuando aparece por primera vez y por cuánto tiempo y cuán inteligente y memorable suena su primera línea. Es por eso que es realmente útil para un guionista poder mirar a través de sus propias fronteras y habilidades y comprender las necesidades y los deseos de los otros engranajes necesarios para que el trabajo de la pantalla se ponga en movimiento.
Desde esa perspectiva, la respuesta a su pregunta es: la escena de apertura (o mejor “secuencia de apertura”) debe lograr todo lo posible para aumentar la simpatía en cuestión de minutos entre las personas que toman decisiones que lo leen, y realmente debería estar a la altura de promesas que hizo con las presentaciones de su narrativa a nivel de guión previo.
Como una cuestión de hábitos comerciales, lo más probable es que su guión no sea la primera representación del proyecto de todos modos; antes de eso, probablemente había tratamientos, exposiciones, contornos, páginas de una página, lanzamientos, líneas de registro, etc.… y las posibilidades son aún mayores de que su guión tampoco sea la última representación del proyecto, es decir, el guión de rodaje o un corte posterior. volver a escribir.
La verdadera escena de apertura
¿Y qué hay de la audiencia? Hoy, la apertura de una película en realidad no es el primer contacto que la audiencia hará con el trabajo de la pantalla; es el tráiler teatral, la cobertura en los medios de comunicación dentro y fuera de línea, el póster de la película: las promesas, las esencias y los extractos altamente condensados, creados por el equipo de marketing, establecerán las expectativas de la audiencia.
Son ellos quienes hacen la apertura … no tú.
Si su guión está dirigido al lanzamiento cinematográfico, deben suceder muchas cosas para que la audiencia se levante del sofá, conduzca a la ciudad y compre un boleto. Saben mucho más sobre tu historia que posiblemente te gustará y entran al cine totalmente sesgados.
La línea de fondo
Entonces, en realidad, el mejor punto de partida para evaluar el contenido de su escena de apertura será imaginar que su película está en la televisión, y el espectador sintoniza accidentalmente en el momento en que comienza su película. Eso es tan imparcial como puedas tenerlo.
Haga todo lo necesario para evitar que vuelva a escapar, porque eso es lo más cerca que puede llegar a la realidad de una persona de producción agarrando su guión y abriéndolo en la página uno; no dejes que lo guarde de nuevo.
No lo hagas
